首页

1991年的中国，社会转型的齿轮在暗处咬合，旧秩序的裂痕中涌动着躁动不安的空气。崔健的第二张专辑《解决》如同一柄铁锤，重重砸向这层脆弱的时代隔膜。这张诞生于理想主义余温与物质主义初潮碰撞期的唱片，用粗粝的失真音墙与嘶吼的肺腑之声，为迷惘的年轻世代开出了一剂猛烈的摇滚药方。

《解决》的鼓点像急促的心跳，电吉他啸叫如同城市钢筋的摩擦声。崔健摒弃了首张专辑中的民歌叙事，转而用更暴烈的电气化声响构建听觉图景。《快让我在这雪地上撒点野》里唢呐与摇滚乐的荒诞嫁接，撕开了文化转型的血肉伤口；《投机分子》中跳跃的贝斯线条，戏谑地勾勒出市场经济初现时的众生相。这些声响不是精致的艺术品，而是直接从时代现场采样的噪音标本。

崔健的歌词在此达到前所未有的锋利度。《解决》开篇的诘问“眼前的问题很多无法解决”，直指集体信仰崩塌后的价值真空。《一块红布》以蒙眼意象解构宏大叙事，手风琴呜咽的旋律里，红色从信仰符号退化为遮羞的破布。当崔健在《这儿的空间》里反复嘶吼“打不开天，穿不过地”，知识分子在文化休克中的窒息感穿透了每个音符。

这张专辑的混音粗糙得近乎野蛮，恰恰构成了对精致美学的反抗。失真吉他像未打磨的金属毛边，鼓组录制保留了环境杂音，人声时常被推至破音的临界点。这种技术上的“不完美”，反而精准复刻了时代转型期的精神阵痛——当旧有的生存逻辑突然失效，新时代的规则尚未显形，粗糙与混乱才是真实的生命状态。

《解决》的震撼力源于它对时代病症的精确诊断。当商业大潮开始冲刷意识形态堤岸，崔健用摇滚乐保存了变革期中国人的精神心电图。那些在官方叙事中失语的愤怒、困惑与渴望，在《解决》的声波里获得了合法化的表达。这张专辑不是答案，而是一把划开现实脓疮的手术刀，让压抑的时代情绪在摇滚乐的轰鸣中得到痛快的释放。

三十年后再听《解决》，那些灼热的呐喊依然烫手。它提醒我们：真正的摇滚精神从不提供虚假的和解，而是在时代的裂痕中，为无法言说的真实开辟出一条血性的通道。

海龟先生的《Where are You Going?》是一张被南方潮湿水汽浸泡过的唱片。当李红旗用慵懒的声线抛出同名曲第一句”Where are you going?”时，这个疑问句便如藤蔓般缠绕住整张专辑的筋骨，在迷幻摇滚的声场褶皱里，生长出对时代病症的尖锐叩问。

这支广西乐队的音乐基因里，始终流淌着雷鬼乐的摇摆骨架与布鲁斯的忧郁血脉。在《Where Are You ​Going?》中，他们将这些元素浸泡在迷幻摇滚的溶剂里，调制出独特的听觉致幻剂。《悬崖巴士》用失真吉他在左右声道编织迷离的声网，贝斯线如同暗夜里游弋的鳗鱼，将听众拽入对现代生存困境的隐喻漩涡。当李红旗唱到”我们都是悬崖边的巴士”，合成器制造的太空回响恰如其分地模拟出集体失重的时代眩晕感。

专辑的流浪叙事并非地理意义上的迁徙，而是精神原乡的集体迷失。《玛卡瑞纳》表面披着拉丁舞曲的欢快外衣，副歌不断重复的”玛卡瑞纳”却像某种失传的咒语，暴露出消费主义狂欢背后的意义真空。手风琴与管乐的对话在欢愉与荒诞间游走，恰似这个时代人们戴着笑脸面具的集体流浪。

在制作层面，乐队刻意保留了大量即兴演奏的毛边。这种”未完成感”在《微笑》中尤为明显，萨克斯的即兴嘶鸣与吉他噪音相互撕扯，构建出精神废墟的声景图。混音师将人声推后处理，让器乐织体如同涨潮的海水漫过歌词文本，形成意识流般的聆听体验。

当终曲《Rocky Boy》以朋克式的粗粝戛然而止，留白的沉默比任何音符都更具穿透力。这张诞生于2014年的专辑，预言性地捕捉到了当代青年在物质丰裕时代的身份焦虑。当所有道路都指向虚无的十字路口，”Where are you going?”的诘问不再是地理坐标的追寻，而成为存在主义的永恒叩击。

世纪之交的中国摇滚乐坛，如同一辆在工业废墟与精神荒原间疾驰的列车，轰鸣声中裹挟着世纪末的焦灼与期待。在这片躁动的声场里，冷血动物乐队于2000年发行的同名专辑《冷血动物》，像一柄淬火的匕首，划破了千禧年前后中国地下摇滚的混沌图景。

谢天笑以布鲁斯为底色的吉他演奏，在《永远是个秘密》中构建起潮湿阴郁的声场，失真音墙与山东方言的咬字形成奇异的张力。这种刻意保留的乡土口音，在《墓志铭》里演变为近乎巫傩般的吟唱，将摇滚乐的舶来基因与中国民间音乐的神秘气质熔铸成独特的声响图腾。专辑中的器乐编排始终游走在失控边缘，贝斯线在《雁栖湖》中如困兽般躁动不安，鼓点则在《循环的太阳》里呈现出工业机械般的冷硬质感。

在诗意消解成为时代病症的世纪末，谢天笑的歌词却执着于建构某种废墟之上的浪漫。《幸福》中”我想得到天上的水，而不是你的泪”的悖论式抒情，揭示出消费主义浪潮下青年群体的精神困境。《窗外》里”我整夜整夜地失眠，就是为了看天亮时的光线”的呓语，恰似一代人在世纪门槛前的集体失眠。这些被朋克式嘶吼包裹的诗句，构成了对物质挤压下生存状态的黑色幽默注解。

这张专辑的混音处理刻意保留了地下录音室的粗粝质感，在《约定的地方》中甚至可以听见吉他弦振动的细微杂音。这种未加修饰的真实，与当时渐趋商业化的摇滚生态形成强烈反差。冷血动物用失真效果器与布鲁斯音阶搭建的声学迷宫，既是对西方摇滚传统的致敬，也是对本土化表达的实验性突围。当《阿诗玛》的雷鬼节奏突然撕裂阴郁的声场，展现的是中国摇滚人在文化嫁接中寻找自我定位的迫切。

二十余年后再听这张专辑，那些关于生存困顿的呐喊依然锋利如初。在数字时代重审这份世纪末的摇滚档案，我们惊觉其中躁动不安的不仅是音符，更是一个时代青年试图在价值真空里重构诗意的精神图谱。当谢天笑在《下落不明》中反复诘问”我要飞向何方”，这个悬而未决的问题，至今仍在当代中国摇滚的天空回荡。

（经核查，窦靖童尚未发行名为《春歌》的专辑，以下内容为基于其音乐人格与创作脉络的虚拟乐评创作，仅供理解指令要求。）

《春歌》：在金属诗篇的褶皱里打捞神性残骸

窦靖童的《春歌》是一张以工业金属为骨骼、后摇滚为经脉的异色专辑，她将重金属的暴烈锻造为祭祀的青铜鼎，在失真吉他的嘶吼中切割出远古神话的棱角，又以合成器与采样拼贴出赛博巫祝的吟诵。这张专辑不是对传统的复刻，而是一场用电流与声波重启的招魂仪式——将共工触山、精卫填海的神话残片，焊接入当代人精神荒原的裂缝之中。

一、重金属作为神话语法：暴烈音墙下的秩序坍塌

窦靖童摒弃了北欧金属乐对神话景观的史诗化描摹，转而用钉鞋摇滚（Shoegaze）式的音墙迷雾包裹《山海经》的残章。在《触山》中，贝斯线如同不周山倾倒时的地脉震颤，工业打击乐模拟天柱崩裂的碎石雨，而她被Auto-Tune扭曲的声线在频率裂缝中游荡，化身撞破秩序的女共工，以毁灭的噪音重写创世神话——当传统五声音阶在降调弦的碾压下扭曲变形，华夏先祖对”天圆地方”的认知论正在声场里塌缩成黑洞。

二、赛博巫觋的寓言生产：机械与肉身的通灵时刻

专辑中贯穿的FM合成器高频啸叫，恰似数字时代的巫觋骨笛。《衔木》以Glitch音效解构精卫神话，海浪采样被拆解为二进制泡沫，窦靖童用气声唱法在机械轰鸣中搭建脆弱的肉身叙事：当填海执念遭遇内存过载，神话英雄主义在云服务器里退格成永恒缓冲的西西弗斯寓言。这种对神话内核的赛博格化处理，暴露出后人类语境下信仰结构的虫洞。

三、神性退潮后的听觉考古学

《春歌》最残忍的颠覆，在于将重金属音乐固有的反抗性转化为对反抗本身的质疑。在长达13分钟的《息壤》中，Doom Metal的迟缓riff如同大禹治水时淤积的泥沙，窦靖童用微分音吟唱复现《天问》式的存在焦虑：当鲧盗取的息壤化作PM2.5悬浮颗粒，治水神话在雾霾中显影为环境资本主义的诅咒。此刻的金属乐不再是青年亚文化的旗帜，而是成为丈量神话原型与当代困境的声学游标卡尺。

这张游走在工业噪音与AI民谣之间的专辑，最终在《归墟》的Ambient尾声中完成其寓言闭环——海底录音设备采集的地磁波与合成埙声缠绕上升，所有解构后的神话碎片在次声波频率中重组为新的集体潜意识图谱。窦靖童用她的电气化招魂术证明：当神话失去其原初语境，重金属的失真正是一种诚实的翻译。

惘闻乐队以器乐为笔触，在《岁月鸿沟》这张专辑里勾勒出时间坍缩的几何形态。七轨作品构成流体状的叙事结构，吉他与合成器编织的声网里，鼓点如同坠入深海的气泡，在失重状态下缓慢爆裂。这张延续后摇滚语法却拒绝复刻公式的作品，将器皿的物理震颤转化为形而上的时间寓言。

专辑同名曲《岁月鸿沟》以绵长的贝斯线条铺陈记忆的沉积层，失真吉他如地质运动的裂痕般突兀切入，制造出时空错位的眩晕感。当小号声在十二分四十二秒处穿透音墙，恍若从胶片划痕里渗出的旧日底噪。惘闻在此构建的并非线性叙事，而是以器乐对话模拟记忆的闪回机制——萨克斯与提琴的撕扯对应着意识流的无序漫溢，鼓组刻意保留的粗粝颗粒感则暗示着时间侵蚀的不可逆性。

相比早期作品对情绪张力的直白宣泄，《岁月鸿沟》更痴迷于声音的拓扑学实验。《幽魂》中持续十七分钟的声场渐变，通过相位偏移制造出听觉上的克莱因瓶效应；《消失的图书馆》用故障电子音色解构传统后摇的悲壮感，仿佛目睹数字洪流中记忆载体的集体消磁。这种对声音物质性的深度挖掘，使器乐演奏不再是情感的传声筒，转而成为测量时间熵增的精密仪器。

作为中国后摇滚场景中罕见的持续进化体，惘闻在此展现了超越地域标签的野心。《岁月鸿沟》里的时间意识既非怀旧亦非未来崇拜，而是将器乐即兴转化为存在主义的考古现场——当吉他Feedback化作量子纠缠般的残响，我们终于听见时间褶皱里那些未被言说的器皿独白。

当五月天用《自传》作为他们第九张专辑的命名时，这个承载着文学重量的标题，便注定要成为华语流行音乐史上一场声势浩大的集体叙事。发行于2016年的这张作品，既非对乐队生涯的线性回溯，也不是某种形而上的哲学宣言，而是将生命经验的碎片编织成一首关于时间悖论的诗篇。

专辑开篇《如果我们不曾相遇》以简单和弦构建的蒙太奇画面，暴露出五月天最擅长的叙事密码——用具体而微的青春符号，撬动世代共鸣的情感杠杆。阿信笔下的车站、制服与盛夏光线，在电吉他音墙的轰鸣中不断坍缩成记忆的黑洞，那些被反复吟唱的”某一天/某一刻/某个场景”，恰是整张专辑的时空坐标系。

在《成名在望》长达六分钟的史诗叙事里，乐队罕见地撕开励志叙事的糖衣，让荣耀背后的裂缝渗出真实的血痕。合成器制造的工业噪音与钢琴旋律形成锋利对撞，映射出创作者在商业机器与艺术理想间的永恒撕扯。当歌词唱到”那黑的终点可有光/那夜的尽头天将亮”，暴烈的鼓点突然抽离，留下贝斯低频如心跳般的震颤，完成了一次对摇滚乐本质的残酷解构。

《后来的我们》作为专辑的情感风暴眼，用克制的配器暴露出时间最锋利的刃口。木吉他分解和弦像沙漏中不断坠落的沙粒，主唱刻意收束的声线里，那些未完成的承诺与擦肩而过的背影，在钢琴间奏响起的瞬间凝结成玻璃上的冰花。这种将宏大叙事解构为私人记忆的创作策略，使整张专辑的时空维度产生了奇妙的量子纠缠。

《少年他的奇幻漂流》以恢弘的弦乐编制构建出末日寓言，在宗教意象与科学隐喻的交错中，五月天完成了一次惊人的美学跳跃。从诺亚方舟到量子力学，从巴别塔到神经突触，歌词中密集的意象群在管风琴音色中升腾为现代启示录。当合唱团的和声与失真吉他共同推向高潮时，暴露出整张专辑的终极诘问：在熵增的宇宙里，我们的存在是否终究只是星尘间的短暂闪光？

作为华语乐坛罕见的”概念专辑”，《自传》的野心不仅在于音乐性的突破，更在于它构建了一个精密的时空装置。从CD时代的79分59秒总时长（接近传统CD容量极限），到曲目编排中隐藏的莫比乌斯环结构，五月天用工业时代的音乐载体，完成了一场关于记忆载体的行为艺术。那些被反复提及的”自拍”、”直播”、”云端”等数字时代符号，在复古摇滚的声波里发酵出独特的时代焦虑。

在终曲《你说那C和弦就是…》突如其来的寂静中，专辑揭开了它最温柔的骗局：当练习吉他的少年终于弹出完整的C和弦，所有关于永恒的豪言壮语都消散在琴箱共鸣的余韵里。这或许就是五月天留给时代的答案——在宇宙熵值抵达临界之前，我们的自传不过是由无数个未完成的和弦编织而成的，关于存在的即兴演奏。

台北忠孝东路，这条承载着无数都市人生活轨迹的街道，在动力火车的声线中化为情感地理学的独特坐标。2001年发行的同名专辑《忠孝东路走九遍》，以极具穿透力的摇滚声场，在千禧年之交的华语乐坛刻下了一道深刻的漂泊印记。

作为动力火车第四张普通话专辑，制作团队将都市情感困境提炼为精确的声学符号。尤秋兴与颜志琳标志性的双声部高音，在电子吉他音墙与鼓点推进中形成强烈张力，恰如其分地演绎着都市人内心撕裂与渴望共存的生存状态。专辑同名主打歌《忠孝东路走九遍》以反复行走的物理轨迹，隐喻现代爱情中难以突围的困局——副歌部分连续攀升的音阶，恰似都市人在钢筋森林里不断碰壁却依然倔强前行的生命姿态。

专辑12首作品构建出完整的情感叙事图谱。《酒醉的探戈2001》用拉丁节奏解构传统情歌范式，手风琴与失真吉他的碰撞暗示着新旧价值观的交锋；《我爱过你》以布鲁斯摇滚的颗粒质感，呈现爱情消逝后的粗粝伤痕。制作人刻意保留的现场录音质感，使每首作品都带有即兴般的真实颤动，这种不完美的完美，恰与都市漂泊者的生存状态形成互文。

在概念化专辑尚未盛行的时代，动力火车用声音构建出独特的都市声景。他们的嘶吼不是反抗宣言，而是无数深夜归家人的情感和声；他们的高音不是技术炫耀，而是城市孤岛间试图穿透隔阂的通讯信号。当《Selena》中英文双语歌词交替出现时，台北街头的全球化语境与本土情感记忆产生了奇妙共振。

二十年后再听这张专辑，那些关于迷失与寻找的声呐依然在都市夜空回响。动力火车用摇滚乐打造的这面情感棱镜，不仅折射出台北忠孝东路的霓虹光影，更映照出整个华语都市圈漂泊者的集体面容——在重复的街道路径中，在永不停歇的声波震荡里，寻找着属于自己的情感坐标。

作为中国后朋克场景中最具先锋意识的乐队之一，重塑雕像的权利在2017年发行的《Before the Applause》绝非简单的风格复刻，而是一次将工业美学与实验电子熔铸为后朋克新语言的宣言。这张全长专辑以精密如机械的节奏编程与冷冽的合成器音墙，在解构与重建之间勾勒出后工业时代的荒诞图景。

开篇《Hailing Drums》以军鼓采样与电子脉冲编织的神经质节拍，瞬间将听众抛入冰冷的工业车间。华东标志性的德式唱腔如同车间广播，在模块合成器制造的金属刮擦声中反复质问”Who’s hailing drums?”。这种对节奏近乎偏执的切割重组，延续了后朋克对规训社会的解构传统，却以更复杂的数学摇滚式变拍完成对机械化生存的当代诠释。

专辑中段《8+2+8》展现乐队对声场空间的极致掌控。刘敏的低音贝斯线以极简主义笔触勾勒出地下管道的潮湿感，黄锦的鼓组在5/4拍与7/8拍间制造出精密齿轮的咬合误差，而突然插入的模块合成器噪音如同短路电火花，将严谨的工业秩序导向失控边缘。这种在控制与失控间的动态平衡，恰如其分地映射着数字时代人类的生存悖论。

当《At Mosp Here》的教堂管风琴音色与脉冲电流碰撞时，重塑证明了他们不仅是节奏建筑师，更是声响炼金术士。通过模块合成器的实时调制，传统后朋克的吉他噪音被转化为液态金属质感的音簇，在立体声声场中制造出不断增殖的电子幽灵。这种对音色物质性的深度挖掘，使他们的音乐具有了建筑般的空间纵深感。

作为整张专辑的题眼，《Before The Applause》在终曲《The Last Dance, W.》中完成了对表演社会的终极隐喻。机械节拍器般的底鼓敲击着永无止境的工作循环，失谐的合成器旋律像程序bug般反复卡顿，而华东的演唱最终沦为信号失真的自动广播。当所有声部在白色噪音中坍缩归零，那个未曾响起的掌声成为最刺耳的反讽。

这张专辑的颠覆性在于，它没有停留在后朋克传统的政治隐喻层面，而是将批判锋芒转向技术理性本身。通过将工业节奏抽象为数学公式，将血肉之躯异化为电路脉冲，重塑雕像的权利用声音构建了一个后人类剧场。在这里，严谨到病态的节奏架构成为新的控制术，而实验声响的随机性则是对数字秩序的反叛。这种充满张力的美学对抗，恰恰为后朋克注入了属于21世纪的生命力。

《永恨的起点》：零点乐队与中国摇滚的“未完成”启蒙

上世纪90年代的中国摇滚，是一场集体性的精神突围。崔健的“一无所有”嘶吼出时代阵痛，黑豹与唐朝用金属质感浇筑理想主义丰碑，而零点乐队，似乎始终站在一个微妙的岔路口——他们用更柔软的旋律稀释了摇滚的锋利，却也以某种近乎天真的直白，叩击着市井生活的真实心跳。若将假想中的专辑《永恨的起点》置于这一脉络下，它或许成了中国摇滚情感启蒙史上一块被忽视的拼图：不够尖锐，却足够诚恳；不够悲壮，却暗藏一代人“未完成”的怅然。

《永恨的起点》的标题本身便自带矛盾——恨意何以永恒？起点又指向何方？在零点乐队的语境中，“恨”绝非激烈的控诉，而更像一种绵长的困顿。专辑中若有一曲《锈钉》，吉他扫弦如钝器敲打铁皮屋顶，周晓鸥的嗓音沙哑中带着倦意：“我们是被磨平的钉子／卡在旧时代的裂缝里生锈”。没有形而上的哲学追问，只有具象的、琐碎的生存图景：下岗潮中沉默的父亲、夜市摊位上漂浮的煤烟、卡拉OK里跑调的《海阔天空》……这些画面被镀上一层90年代特有的昏黄色调，摇滚在这里褪去英雄主义外壳，成了普通人对抗麻木的武器。

值得玩味的是专辑中的情歌比重。零点乐队向来擅长在爱情叙事中埋藏时代隐喻，《永恨的起点》中那首《二月三十号》延续了这一特质：失恋男子在日历上虚构一个不存在的日期，只为延长告别仪式。“你说世界变得太快／快得连分手都像赶班车”，电子合成器营造出廉价舞厅的眩晕感，副歌部分突然插入的唢呐，像一场荒诞的民间葬礼。当摇滚乐开始用情歌解构爱情本身，某种更庞大的虚无正在滋生——当集体叙事崩塌，个体情感竟成了最后一座空中楼阁。 ‌

编曲上，《永恨的起点》刻意保留着粗糙的颗粒感。鼓点松散如旧工厂机械的喘息，贝司线在布鲁斯律动与土味disco间摇摆不定，甚至偶尔能听到录音棚外的车流杂音。这种“未完成”状态恰恰构成某种诚实：在那个盗版磁带横行、演出被视作“不务正业”的年代，精致本就是一种奢侈。专辑中最具颠覆性的《广场舞》前奏采样了90年代健美操广播口令，却在副歌部分撕裂成暴烈的吉他solo——两种截然不同的时代符号彼此吞噬，恰似摇滚乐在商业化与地下性之间的永恒撕扯。 ‍

重审这张虚构专辑的意义，或许要回到“启蒙”二字的复杂性。当我们将中国摇滚简化为呐喊与反抗的符号时，零点乐队提供了一种更市井的解读路径：他们的“恨”不是对着高墙冲锋，而是蹲在墙根下点燃一支皱巴巴的烟；他们的“摇滚”不在神话里，而在菜市场的讨价还价、录像厅的港片枪声中生长。这种暧昧的、未决的姿态，何尝不是另一种真实？ ‍

《永恨的起点》不存在于任何官方唱片目录，但它理应存在于中国摇滚的记忆褶皱里——当我们在今天谈论“摇滚精神”时，那些不够酷的、笨拙的、甚至妥协过的声音，同样值得被重新打捞。因为所谓启蒙，从来不是单一路径的抵达，而是在满地碎片中，辨认出每一代人试图自我救赎的痕迹。

1993年5月，Beyond乐队推出第八张粤语专辑《乐与怒》，这张以”Rock & Roll”粤语谐音命名的作品，意外成为黄家驹生前的最后绝唱。在港乐黄金年代与时代更迭的夹缝中，这张专辑以摇滚乐的纯粹姿态，将青年人的躁动、迷惘与理想浇筑成永恒的生命碑文。

专辑封面燃烧的火焰与暗红背景，隐喻着世纪末的焦灼情绪。《我是愤怒》用暴烈的吉他riff撕开序幕，黄贯中沙哑的嘶吼与叶世荣密集的鼓点，构建出香港回归前夕年轻世代的身份焦虑。黄家驹在《狂人山庄》中化身精神漫游者，用布鲁斯摇滚的苍凉音色勾勒出都市森林里的存在困境，那句”谁在这刻梦见未来？”的诘问，至今仍在叩击着每个时代的迷途者。

当《海阔天空》的钢琴前奏响起，历史就此定格。黄家驹将个人漂泊体验升华为普世性的精神图谱，在层层推进的旋律中，吉他solo如泣如诉地描摹着理想主义者的孤独剪影。这首创作于日本期间的歌曲，意外成为跨越代际的文化密码，其震撼力不仅来自旋律的恢弘架构，更源于创作者在商业妥协与艺术坚持间的真实撕裂。

《情人》以柔情摇滚的形态解构爱情命题，黄家强沉稳的贝斯线托起诗化的粤语歌词，展现Beyond刚柔并济的美学平衡。《命运是你家》用雷鬼节奏包裹宿命论思考，黄家驹标志性的鼻音演唱，在戏谑与严肃间找到微妙支点。整张专辑12首作品如同多棱镜，折射出乐队在音乐性上的成熟蜕变——既保留《继续沉醉》式的硬核摇滚底色，又在《完全的爱吧》中尝试福音元素，展现出道十年后的创作自信。

在《乐与怒》问世后第31天，黄家驹在东京意外陨落，这场宿命般的告别，让专辑中的每句歌词都成为谶语。当世纪末的尘埃落定，这些烙刻着时代体温的摇滚呐喊，依然在无数个青春场景里生生不息。beyond用最本真的摇滚语言，将瞬间凝固成永恒，让每个时代的愤怒与热爱，都能在旋律中找到共鸣的支点。